Dernières Séances - Roland Kermarec

Palmarès 2011

RolandK — Fri, 11 May 2012 22:51:00 GMT

Tout vient à point à qui sait attendre ! Voici mon palmarès 2011, certes avec du retard, mais le recul permet également de mieux appréhender l'impact qu'un film a pu produire. Un premier tri au sein de la liste des films que j'ai vus durant l'année écoulée a abouti à une sélection de 20 titres, première preuve d'une riche année cinématographique.

1. The Tree of Life, Terrence Malick

Inutile de faire un long mystère autour du film qui occupe la première place de mon classement. Nul ignore dans mon entourage que The Tree of Life surpasse selon moi n'importe quel autre film sorti depuis bien longtemps et que l'oeuvre de Terrence Malick rejoint le cercle très fermé des chefs d'oeuvres absolus dans mon Panthéon cinématographiques. Le choix que j'ai dû effectuer pour ne retenir que neuf autres films de cette saison 2011 devient alors quasiment anecdotique au regard de ce dernier. Un classement de cette nature est par définition fluctuant, et plusieurs films que j'écarte aujourd'hui pourraient tout aussi bien se retrouver dans ce palmarès si je le reprenais dans quelques mois ou si je l'avais dressé plus tôt : Black Swan de Darren Aronofsky, Même la Pluie d'Iciar Bollain, Tomboy de Céline Sciamma, The King's Speech de Tom Hooper, Essential Killing de Jerzy Skolimowski, La Dernière Piste de Kelly Reichardt, ou même la version longue U.S. de Shining de mon maître Stanley Kubrick, découverte pour la première fois en salle cette année. Glorieuse année Kubrick, d'ailleurs, avec la visite au long cours de la sublime exposition qui lui était consacrée à la Cinémathèque Française : une partie de ma 2011 Memory est restée là bas, flottant dans la salle consacrée à 2001, l'Odyssée de l'Espace...

2. Drive , Nicolas Winding Refn

Les neuf survivants sont classés dans un ordre relativement aléatoire pour certains d'entre eux, mais si quelques-uns sont fermement accrochés à leur place d'honneur (Drive par exemple), d'autres y figurent parfois pour des raisons annexes.

3. Le Havre, Aki Kaurismäki

L'idée notamment de faire figurer un film indépendant américain comme Winter's Bone me plaisait bien, tout comme celle d'y placer le premier film français prometteur d'Alix Delaporte, Angèle & Tony , deux films modestes mais qui gagneraient à toucher un public plus large.

4. Le Tableau, Jean-François Laguionie

Enfin, bizarrerie de l'année, un film malade s'impose dans ce classement alors que, finalement, je ne l'ai pas vraiment aimé. J'en ai même détesté plusieurs parties, notamment à cause de l'interprétation de Charlotte Gainsbourg : Melancholia de Lars Von Trier, dont la première moitié a retenu mon attention tandis que la seconde recelait trop de morceaux hystériques à mon goût, typiques du réalisateur danois. Pourquoi le retenir ici, dans ce cas, alors que je ne l'ai même pas évoqué dans une critique ? A cause de son long et lent prologue, qui figure, au même titre que l'ensemble de The Tree of Life, au rang des images qui m'ont laissé totalement tétanisé dans mon fauteuil, complètement subjugué et stupéfié par la beauté de ce que je découvrais et par la musique qui l'accompagnait : un des plus beaux moments de cinéma de 2011.

5. The Artist , Michel Hazanavicius

Post-Scriptum : Toutes les affiches (et les liens pour les autres films mentionnés) conduisent aux critiques que j'ai écrites à leur sujet sur ce blog. Hormis Melancholia, seul Une séparation n'a pas été passé en revue ici, par manque de temps, sans doute aussi parce que je ne l'ai vu que très longtemps après sa sortie.

6. Une Séparation, Asghar Farhadi

Si vous souhaitez commenter ce palmarès (ou mes textes eux-mêmes), cliquez ci-dessous sur "Commentaires".

7. Les Neiges du Kilimandjaro, Robert Guédiguian 8. Melancholia, Lars Von Trier

9. Winter's Bone, Debra Granik 10. Angèle et Tony, Alix Delaporte

The Artist, de Michel Hazanavicius

RolandK — Thu, 10 May 2012 21:37:00 GMT

Inabordables ?, seconde partie

Dans mon billet précédent consacré à Intouchables, j'indiquais en préambule que "Tout film qui remporte un grand succès devient dès lors suspect et se voit frappé d'un anathème", paradoxe exclusivement français à ma connaissance, et qui n'est d'ailleurs pas le pré carré du cinéma mais peut toucher n'importe quel domaine ou n'importe quelle personnalité qui se verrait soudainement éclairé par une quelconque notoriété, dans les arts en général, le sport, les médias... L'anathème a ainsi frappé The Artist récemment, pour battre son plein au lendemain des Oscars. Au fur et à mesure que s'entassaient les prix qui lui étaient décernés, l'aspect artistique du projet était progressivement délaissé et, simultanément, commençait à s'élever un concert de réprobations et de bougonneries diverses. Plus personne ne parlait des qualités (ou des défauts, en fait) cinématographiques du film lui-même, mais tout le monde émettait un avis définitif sur la question, et en particulier sur la performance de Jean Dujardin. Un questionnement relativement rapide permettait d'ailleurs de constater que ceux qui rejetaient le plus massivement et doctement le film appartenait à la catégorie des personnes qui n'avaient pas vu le film, qu'à cela ne tienne ! Bref, il est tout aussi difficile d'évoquer un film normalement alors que celui-ci fait exploser tous les compteurs du box office, que de traiter d'un film qui rafle effrontément tous les prix à la kermesse du ciné. Tentons malgré tout d'en dire deux ou trois mots.

Evoquons rapidement ces fameux trophées, avant de les ranger ensuite sur une étagère à l'abri de la poussière du temps. Si l'on en juge AlloCiné, The Artist a décroché 52 prix un peu partout dans le monde. Une vraie avalanche de 52 récompenses, inédite dans le cinéma français, mais parfois aussi incompréhensible et étrange : j'ignore en particulier par quel subterfuge le film s'est retrouvé nominé aux Bafta, l'équivalent britannique des Césars, où il a reçu pas moins de sept prix. Que The Artist ait remporté l'essentiel des prix des Etoiles d'Or de la Presse du Cinéma Français est par contre plus intéressant et révélateur. Mais la chaleur des projecteurs, outre le Festival de Cannes (Prix d'interprétation pour Jean Dujardin, à un moment où le film n'était pas encore un phénomène) et les Césars (la plupart des trophées importants, hormis celui de meilleur acteur), a surtout mis les Oscars sur le devant de la scène.

Arrêtons-nous un instant sur ces Academy Awards, où le chauvinisme français a atteint un délirant paroxysme irrationnel qui a fait perdre tout contrôle sur le point de vue critique, et résumons-la par les quelques constats qui semblent s'imposer. Jean Dujardin serait un meilleur acteur que Leonardo DiCaprio : la preuve, celui-ci, parmi les meilleurs acteurs du moment, toujours reparti bredouille de la cérémonie, n'a pas même été nommé pour son interprétation dans J. Edgar... Ne mentionnons même pas George Clooney, Brad Pitt ou Gary Oldman. Michel Hazanavicius serait un meilleur réalisateur que Martin Scorsese ou Terrence Malick (sorry, je vais respirer trois goulées d'oxygène directement à la bonbonne et je reviens !) Avouons que le commun des cinéphiles peut hésiter deux secondes entre la stupeur la plus totale, version pétrification éternelle, et l'hilarité mortelle. Clou du spectacle, The Artist serait un meilleur film que... The Tree of Life. Meilleur que The Tree of Life... Se répéter cette dernière phrase comme un mantra maléfique. Encore une fois : meilleur que The Tree of Life. Cela a de quoi désarçonner l'amateur de salles obscures le plus aguerri et le plus habitué aux coups de théâtre...

Toutes les occasions sont bonnes pour placer une affiche de The Tree of Life !

Une fois vertement défibrillé (l'occasion méritait bien un néologisme de mon invention !), ce que je vois surtout reconnu à travers cette pléthore de récompenses américaines, c'est d'abord l'impressionnant travail de marketing d'Harvey Weinstein, distributeur du film aux Etats-Unis, qui a réussi un coup de maître (ou un hold-up hors pair, selon le point de vue) en squattant les plateaux de télé et les salles de ciné non stop pendant des mois, dans un tour des States à côté duquel notre campagne présidentielle ressemble à une humble randonnée champêtre des familles. Notons pour en finir avec les Oscars qu'à chaque prix qui revenait à The Artist s'envolaient les derniers vestiges de mon innocence à propos de ces mythiques Academy Awards qui, il y a quelques années déjà, pouvaient me tenir éveillé dans le noir, une oreille au coin du transistor (les jeunes générations sont priées de retenir leur rire en entendant ce nom d'un autre temps !) à savourer en direct les remises des prix pour les films de Clint...

Mais revenons au film lui-même, pour lequel j'éprouve une certaine sympathie, et même davantage, et qui, par comparaison, me paraît bien supérieur aux fameux Intouchables que j'ai pu mentionner avant, même si pousser la comparaison plus loin entre ces deux succès serait vain. Le concept même de The Artist est une idée somptueuse, de celles que l'on trouve faciles une fois le succès arrivé, mais qui peuvent paraître dingues ou grotesques quand elles émergent : ressusciter en 2011 l'univers des films muets de l'âge d'or hollywoodien, faire effectuer un demi-tour réglementaire aux bobines 35mm pendant que le reste du Gotha cinématographique se lance à tombeaux ouverts dans la 3D ou la HD numérique en délaissant la pellicule et en reléguant à la casse ou à la brocante les projecteurs à l'ancienne. Certes, en 1999, Aki Kaurismäki lui-même avait livré ce que l'on avait nommé "le dernier film muet du XXe siècle", avec Juha, mais l'ambition est ici différente. Contrairement à ce que j'ai pu lire sous certaines plumes acides et bileuses, notre Artiste n'est pas qu'un servile serment d'allégeance au cinéma américain, même si Michel Hazanavicius a tenu, pour la cohérence de son projet, à tourner à Hollywood même et à s'entourer de techniciens et de comédiens américains (le somptueux John Goodman en tête, incarnation désormais insurpassable du nabab hollywoodien dans toute sa splendeur). Ce n'est pas non plus une simple "copie" des films muets de la fin des années 20, auquel cas le projet n'aurait effectivement pas grand sens.

Le coeur de The Artist, novateur malgré l'hommage et moderne malgré l'aspect suranné, n'est pas la fabrication ou la reconstitution (à l'exception, astucieuse, du prologue) avec les moyens actuels, à la rayure et au costume près, d'un film qui aurait pu être tourné à la charnière du cinéma muet et du parlant : si c'était le cas, mieux vaudrait dans la minute déserter la salle et se ruer vers un Fritz Lang ou un Murnau restauré (ce que je recommande d'ailleurs, l'un n'empêchant pas l'autre). Autre caricature critique, ce n'est pas non plus un pastiche tel qu'on l'entend aujourd'hui, à savoir un exercice de style à la manière de, créé dans une intention parodique, ce qui semble justement une des marques de fabrique de Michel Hazanavicius, qu'il a manié avec une certaine réussite dans ses deux OSS 111 (même si le second souffre la comparaison et perd déjà quelque peu en charme). Ni véritable reconstitution (que le réalisateur et les comédiens maîtrisent et soignent parfaitement et de façon réjouissante), ni pastiche parodique, quel est donc cet O.F.N.I., cet Objet Filmique Non Identifié, en ce cas ?

Son récit lui-même n'a sans doute rien de révolutionnaire, tout en demeurant très habilement construit pour conter l'histoire de cette profession dont le brutal basculement dans le parlant a dû constituer un cataclysme que nous avons peine à imaginer aujourd'hui, mais n'en demeure pas moins édifiant et émouvant, mêlant avec un certain charme les différents genres qui faisaient le succès des productions de l'époque : le burlesque (la Palme du slapstick revenant à l'hilarant numéro cabotin de "Uggie" !), le film d'aventures (qu'incarne le personnage de Jean Dujardin, à mi-chemin entre un Douglas Fairbanks et un Gene Kelly muets), la romance, le drame (avec certains passages étonnamment sombres pour un tel projet). Le trajet que suit le personnage de l'acteur George Valentin incarné par Dujardin a d'ailleurs quelques similitudes, toutes proportions gardées, et la tragédie en moins, avec celui de Norma Desmond, interprété par Gloria Swanson dans Sunset Blvd., star du muet qui sombrait dans l'oubli au tournant du cinéma parlant, en y laissant la raison et une part de dignité.

The Artist n'est pas un film muet au sens où on l'entend (si l'on peut dire !) d'ordinaire : c'est un film sur le muet, qui exploite pleinement le décalage évident que représente aujourd'hui cet art de l'ellipse et du non-dit forcé, dont certaines bavardes productions actuelles feraient bien de s'inspirer. Hazanavicius parvient plusieurs fois à utiliser tout le potentiel poétique ou comique de ce handicap sonore, par exemple dans une scène où George Valentin s'effraye d'entendre soudain un verre émettre un son quand il le cogne, comme s'il était enlisé corps et âme dans le muet à jamais tandis que le monde autour de lui a muté dans le parlant. Une autre séquence, peut-être la plus belle de toutes, distille une émotion déclenchée par ce seul pouvoir du muet mêlé à un amour évident du cinéma : le coup de foudre qui saisit imperceptiblement Valentin pendant la répétition du tournage d'un seul plan à 4 reprises, durant lequel le personnage traverse une piste de danse et s'approche de sa partenaire, exécutant pourtant les mêmes gestes et les mêmes mouvements avec une précision de métronome, le trouble envahissant progressivement son regard seulement. A travers une telle séquence, Jean Dujardin démontre effectivement un prometteur talent hors du commun dans une gamme subtile et sensible inattendue...

The Artist est enfin un film qui essaye de faire saisir à nos cerveaux, abreuvés et saturés d'images à chaque seconde, l'innocence primordiale de ce miracle permanent qu'est la formation d'une image animée devant nos rétines impressionnées. Un film qui tente de rendre perceptible aux spectateurs du troisième millénaire, de manière certes divertissante, la réalité concrète de la formidable expérience collective vécue par les générations de spectateurs qui ont assisté à la naissance du Septième Art. Lorsque la caméra recule à la fin de la séquence inaugurale du long métrage, révélant ainsi que nous assistions en fait à la projection d'un film diffusé dans un silence de cathédrale dans une immense salle de cinéma à la fin des années 20, lorsque cette caméra se tourne légèrement et contemple les centaines de visages éclairés et fascinés par le spectacle déployé à l'écran, lorsque nous même, dans un mouvement similaire, avons tourné légèrement le regard pour observer alors, dans un même silence absolu et si rare dans une foule, les visages des spectateurs pareillement happés par cet écran frappé d'un faisceau de lumière, alors, l'espace d'un instant, un frisson nous a parcouru, précieux et intense : celui d'avoir approché et ressenti, dans des conditions sans doute proches, ce que pouvait vivre et éprouver ces spectateurs pionniers, il y a un siècle. Si le seul talent de The Artist avait pu être celui-là, j'aurais déjà été comblé au-delà de mes espérances, moi qui considère le cinéma comme un des plus beaux moyens de transports (dans tous les sens du terme !) qui soit, dans l'espace et dans le temps.

Post-Scriptum : à quelques autres reprises, les mêmes frissons abolissant le passage du temps m'ont saisi plus tard cette année, à l'occasion d'un ciné concert centré autour de quatre courts métrages de mes idoles du burlesque, Laurel et Hardy. Là aussi, expérience merveilleuse que d'entendre un accordéoniste (Michel Macias) accompagner en direct le flux des images, improvisant ses morceaux au gré de son inspiration et des émotions que pouvait lui procurer le défilement muet des séquences à l'écran : interprétation unique, bande son que ne conservera aucune archive, notes qui ne pourront que marquer temporairement nos mémoires avant de retourner dans l'éther d'où elles sont apparues, laissant dans le silence les images qu'elles ont portées le temps d'une projection.

Intouchables, d'Eric Tolédano et Olivier Nakache

RolandK — Sun, 15 Apr 2012 00:32:00 GMT

Inabordables ? , première partie

Intouchables fait indéniablement partie de ces films dont il est très difficile de rendre compte, une fois que les médias les ont essorés plus que de raison, une fois que toute la France s'est fait un avis définitif à leur sujet (sans avoir obligatoirement vu le film, d'ailleurs : cela se saurait si nos chers concitoyens avaient besoin de connaître réellement une oeuvre pour se forger une opinion...), une fois que toute discussion les concernant semble épuisée avant même d'avoir débuté. Quand bien même je m'oblige à esquiver toute critique d'un film à la télévision, à la radio ou dans la presse, avant d'avoir décidé si je tenterais de développer mon point de vue ici, impossible en effet d'avoir pu échapper totalement au raz-de-marée médiatique qui a accompagné ce film d'Eric Tolédano et Olivier Nakache. Pourtant, même s'il m'était impossible d'échapper à ce déferlement, il faut également constater que, du film en tant qu'objet cinématographique, il a finalement peu été question, la multitude de commentaires n'ayant au bout du compte traité qu'un seul thème : les records de fréquentation battus, rebattus (ô combien...) et archirebattus, semaine après semaine. Je me garderai donc bien d'ambitionner un réel point de vue critique complet, mais tentons de glisser quelques remarques sur ce film, puisque je n'ai pas relevé grand chose sur sa mise en scène.

Indétrônable ?

Commençons par ce cher box office, qui sert hélas souvent de triste étalon pour mesurer la qualité d'un film. Essayez donc de convaincre quelqu'un qu'un film n'est pas nécessairement bon, même s'il a été vu par des millions de gens (faisons par exemple une minute de silence pour la catastrophe industrielle des Bronzés 3...) : incrédule tout d'abord, la victime de votre vaine tentative d'argumentation risque vite de vous taxer de snobisme, de vanité, de parisianisme, que sais-je encore. En effet, vous rétorquera-t-on, comment des millions de spectateurs, qui se sont précipités dans les salles pour voir un film, pourraient avoir tort tandis que vous et vous seul détiendriez la vérité cinématographique ? Autant l'avouer tout de suite, à moins d'être dans une grande forme ou d'avoir particulièrement envie d'en découdre verbalement tout en sachant que le combat est perdu d'avance, ce pugilat critique est à fuir d'urgence.

A noter qu'en France, un autre sport critique est massivement répandu : celui qui consiste à dénigrer systématiquement toute oeuvre d'art (film, livre, musique, etc.) dès qu'elle commence à rencontrer un succès public. Ce mystère, bien que symétriquement opposé au premier, n'en est pas moins étonnant : pour beaucoup, il semble inconcevable que la réussite artistique d'un projet puisse rimer avec sa réussite économique. Tout film qui remporte un grand succès devient dès lors suspect et se voit frappé d'un anathème : mais j'anticipe, puisque je reviendrai sur ce thème là dans une chronique suivante.

A l'heure où j'écris ce texte, plusieurs mois après avoir vu le film (un tel écart entre la vision d'un film et la rédaction d'un point de vue à son sujet est inédit pour moi sur ce blog), Intouchables dépasse les 19.200.000 entrées, chiffre respectable s'il en est, mais qui se situe à quelques encablures (environ un million) des deux premiers du classement des plus gros succès cinématographiques en France. Occasion d'examiner un peu plus en détail les dix premiers de ce box office sonnant et trébuchant. Nombre de ces dix films ne sont d'ailleurs pas honteux. Titanic semble bien accroché à sa première place : au moment où l'on commémore le centième anniversaire du naufrage du prétendu insubmersible, sort la version 3D du film de James Cameron, que je tâcherai d'ailleurs de (re)découvrir prochainement. Le film de 3h, qui m'avait déjà séduit par sa structure au moment de sa sortie (avec le seul entracte mémorable auquel j'ai assisté de toute ma vie de spectateur, à cause du changement nécessaire de bobine au milieu de la projection), risque bien de me plaire encore une fois, d'autant plus que le réalisateur canadien a souligné, qu'à sa grande surprise, la 3D servait finalement à souligner les scènes intimistes du film plutôt que les séquences à grand spectacle. Je reste plus que circonspect d'ordinaire devant l'usage excessif de cette satanée 3D, dont on nous rebat les yeux, hormis quand James Cameron dirige l'opération : Avatar, pionnier et modèle du genre, atteint d'ailleurs la 10e place du classement, et j'avais longuement indiqué ici même, tout le bien que je pense de ce film.

Au vu de ce palmarès économico-cinématographique, je m'aperçois, relativement amusé, que je fais sans doute partie des rares personnes qui n'ont peut-être pas vu plusieurs d'entre eux, à savoir les dessins animés que sont Les 101 Dalmatiens (9e), Le Livre de la Jungle (8e) et Blanche-Neige et les Sept Nains (4e). A vrai dire, n'ayant jamais été biberonné au Walt Disney intensif durant mon enfance (mon premier Disney en salles a été Le Roi Lion ou La Belle et la Bête), j'ignore même si je les ai vus ou non : j'ai le sentiment que oui, mais cela est peut-être dû au nombre incalculable d'extraits que j'ai sans doute visionnés dans les émissions que je regardais enfant ou aux livres que j'ai pu lire et qui se sont mélangés dans ma mémoire avec les films.

Deux autres films du Top Ten correspondent davantage à ma formation cinématographique télévisuelle. Versant westerns fondateurs du grand mythe américain et mise en scène magistrale, Il était une fois dans l'Ouest de Sergio Leone (7e, je suis agréablement surpris de le retrouver si haut). Versant comédies françaises de la grande époque des Bouvil et De Funès (auxquels j'ajouterais Fernandel à mon panthéon des comédiens du genre), le réellement insubmersible La Grande Vadrouille (5e) qu'il est bon de revoir une fois de temps à autre lors de ses multiples passages télévisés.

Reste deux films que je n'aime pas beaucoup. Gone with the Wind / Autant en emporte le vent (6e) qui, malgré son côté grand classique du 7e art, m'a toujours profondément déplu, à cause du machisme débordant de Reth Butler, de la nunucherie insupportable de Scarlett O'Hara et du racisme latent général dans lequel baigne le film. Et enfin ce Bienvenue chez les Ch'tis (2e) dont je ne comprendrai jamais le succès et qui avait peiné à me faire décrocher un sourire lorsque je m'étais décidé à le voir (durant une projection gratuite en plein air, bien des mois après la déferlante médiatique).

Immanquable ?

Il existe une multitude de raisons diverses qui peuvent pousser chacun d'entre nous à nous immerger dans les salles obscures pour y découvrir un film. Se changer les idées après une journée de boulot, se détendre pour faire baisser certaines tensions, partager un moment avec des amis, s'instruire en découvrant de nouveaux horizons, se cultiver en se plongeant dans telle ou telle période historique, comparer une adaptation cinématographique au roman dont elle s'est inspirée, observer les nouvelles frontières narratives ou techniques que repoussent les maîtres du cinéma, vouloir connaître de nouveaux cinéastes ou de nouveaux comédiens, etc. Ces raisons sont véritablement multiples et pourtant, c'est la plus mauvaise d'entre elles qui m'a incité, plusieurs semaines après sa sortie, à aller voir moi-même Intouchables. A priori, je n'éprouvais pas la moindre curiosité pour ce genre de projet et strictement rien ne m'attirait en lui : en temps normal, il faisait partie de ce genre de films que j'aurais attendu de voir à la télévision, le genre typique du "film du dimanche soir sur TF1". Ce n'est donc pas vraiment un film que je suis allé voir en salle, mais... un phénomène de société, pour chercher à comprendre ce qui pouvait justifier que des millions de spectateurs s'enthousiasment de la sorte.

Indéniable ?

Son succès commercial l'est, assurément. La salle était bondée lors de la projection à laquelle j'ai assisté mais, à la fin du générique comme aujourd'hui, j'ignore encore pourquoi tant de gens ont aimé ce film plutôt qu'un autre. Oh, ce n'est pas qu'il soit mauvais, loin de moi cette idée. Bizarrement, j'ai même constaté que je riais plus régulièrement que la majorité des gens de la salle où je me trouvais, même si j'ai parfois l'habitude de rire à contretemps de la majorité des spectateurs... S'il s'agit de faire des comparaisons, il est même largement supérieur aux Ch'tis. Mais je ne parviens pas à saisir pourquoi celui-là est sorti du lot ainsi, alors que tant d'autres films mériteraient à mes yeux davantage de sortir de l'ombre à laquelle ils sont condamnés. Reconnaissons toutefois, avant de relever certains passages problématiques, que Intouchables véhicule certains thèmes que, s'ils ne sont pas révolutionnaires, il est malgré tout intéressant de retrouver dans un film grand public, en particulier le refus de la compassion forcée ou du misérabilisme à l'égard du handicap, certaines valeurs de tolérance, de générosité et de fraternité qui ne feront de mal à personne.

Irréprochable ?

Si l'on observe de plus près certains thèmes autres que ces bons sentiments, certains aspects du film ne manquent pas de poser quelques problèmes, cependant. Prenons surtout le regard posé par les réalisateurs sur toute forme d'art sophistiqué. La manière dont le scénario aborde ce point est particulièrement choquante, démagogique et, osons le mot, populiste. Je ne suis pas toujours un défenseur acharné de la peinture moderne, et certaines oeuvres picturales auraient tendance à me laisser pour le moins dubitatif, mais la vision qu'en donne le film est caricaturale et grotesque, tout autant que son dénouement (le profane barbouille vite-fait une toile que son patron vendra ensuite à prix d'or).

Cela pourrait passer pour une faute de mauvais goût sur laquelle nous ne nous attarderions pas, par indulgence, si le film n'enfonçait lourdement et grassement le clou à trois reprises sur ce thème. Toute forme de poésie est d'abord ringardisée à outrance et passe pour un mix entre de la pudibonderie déplacée et de l'affectation éhontée : à ce titre, Driss devient alors le sauveur des coincés, le chantre de la drague décomplexée et pragmatique qui n'a que faire des élans de romantisme ou de finesse. La poésie, au placard, c'est bon pour les ringards ! La sanction est la même pour la musique classique, démontée en une séquence et jugée totalement dépassée et rétro : soyons in, soyons jeunes, soyonscool et déhanchons-nous sur le parquet en glissant et en nous trémoussant au rythme d'un tube branché. Les vinyles classiques, dans l'armoire, c'est bon pour les tocards ! Idem enfin pour l'opéra. Impayable en effet, le type déguisé en arbre qui chante en allemand : on peut alors légitimement se taper sur les cuisses et hurler de rire au milieu des travées en suscitant la sympathie de l'auditoire. L'opéra, au rancart, c'est bon pour les vieillards ! Peinture moderne, poésie, musique classique, opéra, jetez-moi toutes ces vieilleries d'un autre âge aux oubliettes : avouons que, d'un coup, après l'apologie de la tolérance et de la solidarité, le message positif du film en prend un sale coup... alors que l'art est un partage, un échange, qui rassemble les gens et ne les divise pas comme l'illustrent ces séquences.

Irresponsables ?

Poursuivons sur le même ton, même si, dans le domaine que je vais aborder, j'ai bien conscience que je vais sans doute passer pour un réac et un grincheux rétrograde. Si le film ne m'a dans l'ensemble pas déplu, quoi que j'aie pu en dire dans le paragraphe précédent (je n'avais pas placé la barre bien haut et n'en attendais pas grand chose du point de vue de la mise en scène), sa séquence inaugurale (la conduite sur le périph') m'a par contre mis hors de moi d'entrée de jeu. Du point de vue du montage comme de son message, cette scène est totalement inacceptable à mes yeux. Narrativement, elle n'est placée au début du film que dans le but d'introduire le spectateur dans le récit à l'aide d'un passage relativement enlevé et spectaculaire : on la retrouvera plus tard dans le film, quasiment à l'identique d'ailleurs (pourquoi s'embêter et ne pas employer deux fois les mêmes plans, après tout...) Le spectateur est alors bassement invité à s'attacher à deux types qui se soucient du code de la route comme d'une guigne (le spectateur français lambda, qui en fait un sport national, s'attendrira d'un tel comportement), qui font passer les flics pour de sombres crétins (on imagine les soupirs de contentement dans la salle), même s'ils mettent en danger la vie d'autrui. Pas la peine de s'énerver pour autant, ce n'est qu'un film, me direz-vous. Certes, sauf qu'il ne s'agit pas ici de Taxi 27 ou de Fast and Furious 53 mais d'un film qui, voulant jeter un regard différent sur le handicap, se retrouve paradoxalement à faire d'entrée de jeu l'apologie de la violence et de l'inconscience routière. Retrait du permis de filmer !

Invraisemblable ?

Intouchables est dûment estampillé du label imparable "Tiré d'une histoire vraie". Argument définitif contre lequel on ne peut pas lutter et devant lequel le point de vue critique doit s'agenouiller. Le scénario est inspiré du réel, donc au diable les critiques irrecevables. Mais cette mention dans un film est très souvent un cache-misère qui ne parvient pas à dissimuler certaines incohérences magistrales, un film basé sur des faits réels ne garantit pas la crédibilité totale des scènes jouées sous nos yeux. Les scénaristes auront beau clamer que les deux personnages principaux ont réellement existé, certaines séquences n'en demeurent pas moins risibles tant elles sont filmées à gros traits, caricaturales dans leur traitement à l'écran, finissant par transformer une histoire vraie en récit invraisemblable. Citons à l'appui les différents castings des auxilaires de vie où les postulants sont tous plus glauques ou ridicules les uns que les autres, les scènes de drague grotesques de Driss, ou l'impensable scène de "Driss-redresseur-de-torts-face-aux-mafieux" vers la fin du film.

Un vrai mafieux, et les vrais Untouchables

Intouchables ?

Vous l'aurez compris, si je trouve des qualités certaines à ce film, qui n'est pas déshonorant et dont la vision était relativement plaisante, j'y perçois également un certain nombre de défauts qui dépassent les simples reproches habituels que l'on peut adresser à une mise en scène.

Finissons par le début du film, à savoir son titre. Passe encore que je n'en perçoive que très vaguement la signification réelle, même si la définition de ce terme ne caractérise pas vraiment les deux personnages selon moi. Pourquoi pas... Cette dénomination ne sera pourtant doublement jamais associée pour moi à ce duo interprété par Omar Sy et François Cluzet (dont on n'a pas suffisamment parlé dans la presse), mais restera d'abord reliée dans mon esprit au système inique des castes qui continue de régner en Inde, où, par la seule naissance, des personnes sont considérées comme impures et deviennent des parias de la société. Et, cinématographiquement, les vrais Intouchables ou, devrais-je dire, les Untouchables, resteront à jamais pour moi Elliot Ness et sa troupe de choc créée pour lutter contre l'empire du crime d'Al Capone dans le film de Brian de Palma qui a pris en France le titre Les Incorruptibles. Un fauteuil roulant contre un landau, en somme :)

Insupportable ?

Désolé pour ceux qui ont été allergiques à la forme en in- -able ? prise par ce texte, mais quand je tiens une structure narrative qui me plaît, je ne la lâche plus ! :)

La Désintégration, de Philippe Faucon

RolandK — Sun, 25 Mar 2012 21:33:00 GMT

La tragédie meurtrière qui vient de frapper la région toulousaine a donné une résonnance particulièrement troublante au film de Philippe Faucon, dont le thème est propre à initier la réflexion sur les origines d'un tel drame (voir par exemple l'article des Inrocks à ce sujet). La Désintégration (titre magnifiquement évocateur) est un film qui suscite le débat, engendre la discussion et qu'il sera bon de projeter et d'accompagner en ces temps où les appels à la discorde et à la division se multiplient. Le réalisateur n'est d'ailleurs pas un novice sur ces questions sensibles, puisque sa filmographie aborde constamment les questions de l'immigration et de l'intégration (dans le très sensible Samia par exemple). Philippe Faucon indique d'ailleurs : "Le terrorisme est aujourd'hui devenu plus présent qu'il ne l'a peut-être jamais été, avec sa part de désignation fantasmée ou réelle de la menace. [...] Quelles sont les raisons folles, incompréhensibles, ou sur lesquelles il faudrait au contraire se pencher, qui peuvent mener à ces barbares passages à l'acte ?"

La vision que donne La désintégration de cet état des lieux inquiétant ne sombre jamais dans le sensationnalisme ni le spectaculaire mais se veut lucide et réaliste (notamment à travers la description du mode opératoire de l'action mise en place par les terroristes) . Mais les intentions citées ci-dessus ne se concrétisent pas non plus aussi bien que nous pourrions le souhaiter. Si le scénario évite en grande partie le manichéisme ou les stéréotypes, certains raccourcis entachent la crédibilité de l'ensemble, notamment pour la soudaineté de la conversion du personnage principal au fondamentalisme. La désintégration, d'un pur point de vue cinématographique, souffre surtout de la comparaison avec deux oeuvres récentes qui abordaient cette problématique "Intégration vs. Intégrisme".

D'un côté, avec Hadewijch, Bruno Dumont, malgré les imperfections de certaines séquences, traitait de l'embrigadement avec une mise en scène d'une plus grande maîtrise formelle, avec un sens du cadrage et de la lumière qui ne sont plus à démontrer de la part de ce réalisateur. D'autre part, avec un scénario extrêmement voisin, Na Putu / Le choix de Luna suivait lui aussi le glissement progressif d'un personnage dans un pervers endoctrinement, de manière sans doute plus fine à mon goût (même si l'on pouvait également lui reprocher un manque de vraisemblance dans la rapidité du basculement du personnage dans l'extrêmisme religieux).

Par conséquent, La désintégration n'est pas le grand film que nous pourrions attendre sur les racines du terrorisme ou sur le constat d'échec de notre république à intégrer en son sein toutes les populations issues de la diversité mais, comme à l'époque des inénarrables Dossiers de l'Ecran, le film de Philippe Faucon est sans doute un film nécessaire et utile pour nouer le dialogue et, à défaut d'apporter réponses et solutions, pour poser les questions essentielles et continuer à nourrir les réflexions.

La Piel que Habito, de Pedro Almodovar

RolandK — Sat, 24 Mar 2012 22:02:23 GMT

Pedro Almodovar partage dans mon esprit avec Woody Allen cette piètre qualité : la plupart de ses films sont totalement interchangeables dans ma mémoire, ses personnages se bousculent et passent d'une histoire à l'autre sans y voir le moindre inconvénient, ses titres s'interpénètrent et se décollent de leur oeuvre première pour s'appliquer à une autre, ses intrigues se mélangent et s'aglutinent pour aboutir à un récit fleuve où dominent des héros excentriques, des décors atypiques, des couleurs extravagantes... et la musique d'Alberto Iglesias. C'est donc toujours avec une incrédulité silencieuse que j'assiste au concert de louanges qui accompagne la sortie de la plupart de ses films en France, n'osant à peine avouer qu'ils me laissent pour la plupart indifférents. Tout juste sortirais-je de cet anonymat La mauvaise éducation et surtout En chair et en os, plus marquants pour moi.

Pour La Piel que habito, le syndrome Pedro m'a de nouveau atteint. Au bout de quelques séquences, ce nouvel opus m'a profondément ennuyé, pour ne pas dire chloroformé, toute sensibilité anesthésiée. J'étais pourtant décidé à le découvrir avec toute la bonne volonté du monde, l'argument initial ayant capté mon attention.

Les yeux sans visage de Franju, qui ne quitte pas un instant notre esprit durant la projection, semble d'abord la référence suprême du réalisateur espagnol : la peau artificielle dans laquelle habite la créature centrale créée par le Dr. Banderas la transforme en version moderne et sophistiquée d'un monstre de Frankenstein de luxe. Etrangement, le film lui-même ressemble progressivement à une chimère scénaristique construite de bric et de broc, picorant çà et là des éléments à différents genres cinématographiques : la science-fiction, le film d'amour, le fantastique, le film policier, le mélodrame, sans en approfondir un seul. La Piel... devient alors un film tout aussi artificiel que son personnage hybride principal : de marbre, nous voyons défiler les costumes, les figures imposées du cinéma d'Almodovar, nous demandant en permanence à quel moment surgira son transsexuel idéal de service, jusqu'à ce que son apparition obligée ne vienne nous achever. Décidément, Almodovar ne nous plongera que rarement dans une émotion à fleur de peau...

Une pensée pour Moebius

RolandK — Sun, 11 Mar 2012 11:57:00 GMT

Mike Blueberry pleure son créateur, Moebius, alias Gir. Une grosse pensée pour Jean Giraud, qui nous a quittés ce samedi, auteur de ces BD magnifiques qui ont accompagné tant de nos adolescences : "La mine de l'Allemand perdu", "Le Spectre aux Balles d'Or", "Ballade pour un cercueil", "Angel Face", "La Longue Marche", et tant d'autres. Dessine-nous des nuages de là haut, Gir...

Jean Giraud et David Lynch à l'atelier de lithographies Item à Paris, en octobre 2011

Incendies, de Denis Villeneuve / Festival Télérama

RolandK — Sat, 10 Mar 2012 10:42:00 GMT

Durant une bonne partie de l'année 2011, les animateurs de l'émission de cinéma On aura tout vu, sur France Inter, n'ont eu de cesse de défendre et soutenir, semaine après semaine, le film de Denis Villeneuve. C'est donc avec une attente assez démesurée que j'ai assisté à cet Incendies.

Même si l'on pourrait y voir certaines allusions géo-politiques, Incendies n'est sans doute pas à ranger du côté des films à thèse. Plus modestement, ce film canadien vise avant tout le plaisir premier du spectateur à se laisser conter une histoire. Mais, si l'on y regarde de plus près, raconter une histoire n'est probablement pas plus simple que de délivrer un message à travers un film ou se lancer dans un long métrage militant. Toute oeuvre de fiction, qu'elle soit littéraire ou cinématographique, repose la plupart du temps sur un pacte implicite entre l'auteur et le spectateur/lecteur. Celui-ci accepte, souvent docilement, de se laisser prendre par la main et emporter dans un univers qu'il ne connaît pas, dans un monde dont il ignore les frontières, tant que l'auteur respecte des règles minimales de vraisemblance narrative qui peuvent varier selon le contexte initial. Le cadre d'une oeuvre de pure science-fiction peut ainsi parfois présenter davantage de vraisemblance qu'un récit se déroulant dans une société contemporaine : tout est affaire de cohérence, de rythme, de dosage entre le quotidien, l'habituel, et l'extra-ordinaire.

J'ai tenu la main de Denis Villeneuve bien volontiers pendant une bonne partie de son film : les personnages sont forts et émouvants, la situation prenante, les péripéties spectaculaires. On accepte volontiers que l'héroïne échappe à plusieurs reprises à la mort et s'accroche aussi fortement à la vie, en dépit des drames qu'elle traverse dans ce pays qui ressemble au Liban. Aux côtés de ses enfants enquêteurs, on assemble avec intérêt les différentes pièces du puzzle pour reconstruire le récit dans notre esprit.

Et puis, au fur et à mesure, les coïncidences scénaristiques s'accumulent : des personnages qui émigrent tous deux au Canada et dans la même ville au même moment, qui se retrouvent autour d'une piscine, un gamin qui survit à des multitudes de massacre et se voit recueilli par un chef de guerre, un bourreau qui croise le chemin de l'héroïne, les enfants qui remontent le fil de l'enquête de manière relativement simple, etc. "C'est bien foutu, le scénario !", comme ironisait Albert Dupontel dans un de ses sketchs sur le cinéma. Nous pouvons tolérer certaines énormités scénaristiques au cinéma (la propension de certains héros américains à esquiver invariablement la trajectoire de la moindre balle, par exemple), mais lorsque le personnage du fils profère à sa soeur l'addition énigmatique "1 + 1 = 1" à plusieurs reprises, nous entraînant pendant le dernier quart d'heure à calculer et recalculer l'âge possible des différents protagonistes, nous nous disons effectivement que le con(mp)te n'est plus bon du tout et que cette histoire tragique d'Oedipe libanais a brisé le pacte sur lequel se basait notre intérêt initial.

L'exercice de l'état, de Pierre Schoeller / Festival Télérama

RolandK — Fri, 09 Mar 2012 21:46:00 GMT

Le Festival Télérama est une session de rattrapage bien utile chaque année pour revoir ou découvrir des films qui nous auraient échappé durant la saison cinématographique écoulée. Certains magazines usent et abusent volontiers de l'appellation de "meilleurs films de l'année" à l'heure du bilan : je choisis plutôt l'expression "films préférés", moins sujette à disputes inutiles et règlements de compte inutiles.

Des quinze films retenus par le magazine Télérama pour 2011, j'en aurai finalement vu douze. J'attendrai de voir à la télé, sans réelle attente d'ailleurs, Les Biens Aimés de Christophe Honoré, dont je ne suis pas un immense fan. Le gamin au vélo des Dardenne est sans doute sorti à une mauvaise période pour moi, durant laquelle The Tree of Life (ridiculement absent du classement Télérama) occupait tout mon espace mental : il patientera également. Quant à La Guerre est déclarée, j'aurai finalement réussi à le louper consciencieusement à chaque fois qu'il était programmé dans une salle non loin : je ne me prononcerai pas sur un film que je n'ai pas vu, mais le battage critique autour du film m'a laissé un peu circonspect, ainsi que certaines techniques de mise en scène que j'ai pu entendre évoquées, en particulier un usage visiblement immodéré de la musique.

Le Festival 2011 m'a donné l'occasion de voir trois films, que je ne porterai sans doute pas aux nues, mais sur lesquels j'ai des avis distincts :

L'exercice de l'état de Pierre Schoeller est probablement le film politique le plus sérieux et réaliste de cette année, qui en a vu fleurir quelques autres (étrange idée de Thierry Frémeaux que d'avoir souhaité en rassembler trois au Festival de Cannes, d'ailleurs). Souvent passionnant, son scénario infiltre les couloirs des cabinets, les bureaux ministériels, d'une manière totalement vraisemblable : le spectateur sort du film convaincu d'avoir assisté à une mise en scène qui ressemble probablement à la réalité du pouvoir politique français.

Certaines séquences sont totalement bluffantes dans ce sens, à commencer par celles consacrées à l'accident de bus, criantes de crédibilité dans sa reconstitution comme dans le jeu médiatique des petites phrases, des postures à adopter, des discours réfléchis au murmure près par une répétiteuse que joue Zabou Breitman à la perfection. L'interprétation ajoute à cette vraisemblance, Olivier Gourmet confirmant notamment une fois de plus sa capacité à rentrer dans la peau de personnages divers en leur donnant systématiquement une vérité, une humanité et une profondeur rares.

Lorsque Pierre Schoeller quitte la route enneigée de montagne où l'autocar s'est accidenté pour nous conduire vers un autre accident tout aussi spectaculaire sur une portion déserte d'autoroute, nous l'accompagnons un peu moins. Ce décor et cette scène sont des terrains de jeux idéaux cinématographiquement, mais le personnage du chômeur engagé comme chauffeur révèle alors une certaine manipulation scénaristique excessive, comme s'il apparaissait soudain comme le faire-valoir trop ouvertement symbolique de la démonstration qui est menée : le prolétaire exploité médiatiquement par les puissants et sacrifié par eux dans le même mouvement.

Avouons également humblement que, pour le profane que je suis en matière de politique, cette visite guidée des arcanes du pouvoir, si elle est souvent très pédagogique, m'a parfois perdu en route, en particulier durant plusieurs longues scènes de tractations de portefeuilles ministériels relativement complexe à mon sens, mais là était peut-être le souhait du réalisateur : donner le sentiment au spectateur, face à ces monstres du pouvoir, d'être dévoré tout cru par un crocodile sous le regard d'énigmatiques Belphégors déménageurs, comme dans le prologue du film.

A suivre...

L'oeil de l'astronome, de Stan Neumann

RolandK — Sat, 25 Feb 2012 18:01:53 GMT

14e Festival Ciné 32 - vendredi 14 octobre, 13h45

L'oeil de l'astronome évolue entre leçons d'optique et séances appliquées d'astronomie, entre la lunette inventée par Galilée, empruntée ici par Johannes Kepler, et la camera obscura de nos salles de cinéma. Le film de Stan Neumann repose sur un postulat passionnant pour tout amateur des grandes questions philosophiques et scientifiques, puisqu'il concrétise les recherches de ce célèbre astronome allemand de la fin du XVIe siècle pour qui il s'agit, comme le dit le réalisateur, de "comprendre ce qui nous dépasse, le secret des mouvements célestes et des lois qui régissent l'univers".

A l'issue de la projection en avant-première de son oeuvre au théâtre d'Auch, Stan Neumann a confié avoir projeté, quelques jours auparavant, cet Oeil en séance spéciale à des chefs opérateurs. L'information n'est pas si anecdotique qu'on pourrait le penser puisque, finalement, L'Oeil de l'astronome est précisément cela : un film pour chefs opérateurs. Ce long métrage, extrêmement beau formellement, demeure souvent trop théorique et s'approche en fait d'un concept qu'on pourrait définir ainsi : le docu-fiction de luxe, où l'on assiste, de manière passionnante certes, à la reproduction de célèbres expériences optiques ou astronomiques, à la dissection d'un oeil pour mieux saisir le rôle du cristallin et le comparer à la fonction de la lentille des lunettes, etc.

Les images sont splendides (ainsi que son affiche, d'ailleurs), mais un peu désincarnées, à l'image du récent Bruegel de Lech Majewski, même si Denis Lavant, comme à son habitude, habite totalement son rôle. A l'issue de la projection, Stan Neumann a confié avoir sciemment et délibérément souhaité "retirer tout ce qu'il y avait de scénaristique dans le scénario", retirant paradoxalement tout ce qu'il y avait de potentiellement cinématographique dans son film.

Bull Head / Rundskop, de Michael R. Roskam

RolandK — Tue, 21 Feb 2012 18:56:00 GMT

Il est certains films dont on pressent que l'audience sera restreinte mais que l'on souhaite défendre et même porter. Des films qui passeront sans doute relativement inaperçus au milieu des flots de films plus commerciaux. Bull Head appartient à cette catégorie précieuse et rare (même s'il a déjà obtenu quelques prix remarquables dans certains festivals et qu'il est nommé, à juste titre, dans la catégorie du meilleur film étranger aux Oscars). Quand on découvre un film à l'aveugle (ce qui fut mon cas, puisque j'ai eu la chance de voir le film de Michael Roskam lors d'un prévisionnement), sans avoir lu ni vu quoi que ce soit à son sujet avant de se retrouver plongé dans son monde visuel et sonore, les a priori laissent la place à la curiosité pure : ne RIEN connaître de l'intrigue, de l'atmosphère, pas même son pitch, devient alors un véritable délice. Cette virginité de cinéphile est ici essentielle : ne lisez rien avant de voir ce film (pas même mon texte !), ne regardez aucune bande annonce, n'écoutez aucune interview, laissez-vous tenter et séduire par cette promesse de cinéma, par ce qui restera sans le moindre doute pour moi une des plus fortes expériences cinématographiques de l'année en cours.

Je pourrais m'arrêter là, et je ne m'avancerai d'ailleurs pas beaucoup plus loin (dernier avertissement pour ceux qui n'auraient pas vu le film : ne dépassez pas ces mots non plus :-). Je pense d'abord à Psycho d'Alfred Hitchcock, qu'on garde souvent en mémoire pour ses superbes séquences terrifiantes et pour l'une des meilleures contributions à un cinéma "d'horreur grand public" : ce chef-d'oeuvre de Sir Alfred était avant tout basé sur une magnifique fausse piste initiale, avant qu'une rupture scénaristique (la mythique scène de la douche) ne vienne ébranler le confort du spectateur qui s'imaginait jusque là pouvoir anticiper aisément les péripéties ultérieures d'un film policier bien balisé et confortable.

Bull Head est fondé sur ce même principe d'un gouffre narratif dans lequel sombrent les certitudes du spectateur habitué à se projeter dans l'intrigue d'un film. Débutant comme un polar du quotidien basé sur un trafic d'hormones dans le milieu de l'élevage bovin, sujet déjà relativement déconcertant et original, ce film flamand inattendu bascule sans crier gare dans un drame intime percutant, dans un vrai coup de poing visuel qui prend aux tripes, et même dans la déchirante histoire d'un amour impossible aux accents de tragédie moderne.

Dopé par un montage et une musique qui n'ont rien à envier en efficacité aux plus percutants films américains, l'âme et l'émotion en plus, Bull Head imprime pour longtemps sa marque en nous, tout comme son acteur principal Matthias Schoenaerts, stupéfiant dans le rôle de Jacky, dans une performance qui n'est pas sans évoquer les métamorphoses physiques d'un Robert de Niro dans Raging Bull. Hitchcock, De Niro, les comparaisons sont excessives ? Probablement un peu, mais la trajectoire est là, tout comme l'envie de cinéma qui suinte à chaque coin de la pellicule. Ruez-vous voir ce Raging Bull Head, vous n'en ressortirez pas indemnes, mais pleins d'espoirs pour la perpétuation et l'avenir du cinéma.

L'Oiseau, d'Yves Caumon

RolandK — Sun, 19 Feb 2012 12:21:00 GMT

Il n'y a pas de raison que les critiques puissent parfois écrire de minuscules notules sur certains films qui les laissent relativement secs et que je me l'interdise de mon côté. Les heures et les journées n'étant hélas pas extensibles, je ne dirai peut-être parfois simplement que quelques mots sur un film, comme pour celui-ci.

Le thème du deuil parental a inspiré les cinéastes durant les derniers mois. Dans Rabbit Hole, par exemple, John Cameron Mitchell restait centré sur l'implosion de la cellule familiale, tandis que dans The Tree of Life, Terrence Malick donnait à ce sujet une portée universelle et symbolique plus profonde (sans compter La Guerre est déclarée, de Valérie Donzelli, qui m'a échappé à chaque fois qu'il était programmé). Dans L'Oiseau, Yves Caumon resserre son regard sur un personnage central, interprété par Sandrine Kiberlain, de tous les plans. On voit cette femme au quotidien, atone, dans des scènes banales et ordinaires, puis confronté à un oiseau métaphorique de son état psychologique. Manifestement, Sandrine Kiberlain a tenu un rôle essentiel dans le processus créatif de L'oiseau. J'ai en partie apprécié ce film mais, à d'autres moments, j'ai eu le sentiment que l'actrice était un peu en roue libre, peu dirigée, libre d'improviser à outrance, livrée à elle-même : les personnages secondaires s'évaporent d'ailleurs très rapidement de la mémoire... L'Oiseau est donc souvent un film délicat et sensible mais parfois un peu vain, comme s'il s'agissait d'une sorte de documentaire en creux sur son travail d'interprète.

On the Ice, d'Andrew Okpeaha Maclean

RolandK — Wed, 08 Feb 2012 22:24:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - samedi 15 octobre, 8h45

Tout le monde se souvient de la magistrale séquence de Cary Grant se réfugiant dans le champ de maïs dans North by Nothwest / La Mort aux Trousses. Dans la série d'émissions Cinéma, Cinémas d'André Labarthe, Alfred Hitchcock avait rappelé en détails la genèse de cette séquence célébrissime durant laquelle il avait voulu contourner tous les clichés cinématographiques en vigueur dans les polars pour ce genre de scène où l'on fixe un faux rendez-vous à un témoin gênant dans le but de le tuer discrètement : la nuit, un espace urbain, la pluie qui dégouline sur les pavés luisants, une limousine qui arrive, et tacatacatac !!! Dans le guet-apens monté pour éliminer George Kaplan, rien de tout cela, Hitchcock a souhaité prendre le contre-pied de tous ces stéréotypes : un désert à perte de vue, un soleil implacable au zénith, personne à l'horizon.

Le réalisateur Andrew Okpeaha Maclean semble avoir longuement intégré et médité ce concept pour l'étendre à l'ensemble de son premier long métrage, On the Ice, film noir tourné dans un monde de glace, qui enchante le spectateur en réinterprétant l'ensemble des codes du thriller et en les détournant à la sauce inupiaq. Pardon ? Séquence Connaissance du Monde : l'inupiak est l'un des quatre grands ensembles linguistiques de la langue inuit, utilisé dans l'extrême nord de l'Alaska, d'où sont originaires le réalisateur et l'ensemble de son casting.

L'intrigue, qui tourne autour de la mort accidentelle d'un adolescent, est probablement assez classique, mais son simple déplacement dans ces contrées relativement vierges cinématographiquement la rend trépidante, tout comme son dépaysement temporel, puisque le soleil ne se couche jamais durant quelques mois sur ces étendues blanches et glacées où le regard se perd à l'infini et où nos repères s'effacent. Un dépaysement qui frappe plus encore, paradoxalement, lorsqu'on constate qu'ici comme ailleurs, au fin fond de l'Arctique comme au milieu de New-York, les ados de notre société mondialisée se ressemblent étrangement. Si loin, si proches.

Another Happy Day, de Sam Levinson

RolandK — Wed, 01 Feb 2012 22:41:22 GMT

14e Festival Ciné 32 - vendredi 14 octobre, 19h15

La vision en accéléré de l'intégrale d'un Dynasty sous tranxene. C'est le pitch qui s'est imposé à moi à la vision de ce premier long métrage du fils de Barry Rain Man Levinson. 3 mois et demi après l'avoir découvert au Festival d'Auch, cette accroche lapidaire est restée marquée dans mon esprit, tandis que la majorité des éléments de l'intrigue du film se sont évadés de mes cellules grises : s'il est souvent intéressant de rédiger son point de vue à chaud, dans les premiers jours qui suivent sa projection, le faire avec un tel décalage aura eu ici l'avantage certain de laisser se décanter cette succession de scènes totalement frénétiques pour aboutir à la cruelle conclusion que l'histoire a en grande partie été reléguée dans les oubliettes de ma mémoire.

Alors, bien sûr, nous n'avons pas oublié qu'il s'agit ici de l'énième version de la réunion de famille qui tourne au pugilat intégral, du rassemblement hautement improbable de personnages plus dégénérés et névrosés les uns que les autres, mais, au final, les liens qui les unissent se sont dissous dans les brumes du temps. Ne surnagent alors que quelques personnages hauts en couleurs, touchants ou désarmants si on les regarde séparément, comme autant d'étranges spécimens borderline qui auront tous leur morceau de bravoure : l'ado lucide tendance junkie (interprété par le magnétique Ezra Miller), la jeune femme suicidaire, l'ex hystérique dépassée par les événements que joue Ellen Barkin, et surtout la rivale de cette dernière, incarnée par une Demi Moore hallucinante, qui s'auto-caricature de manière stupéfiante en composant une créature mêlant obscénité et érotisme animal. Dans quelques années, lorsque les sables mouvants de la mémoire auront fini de digérer les bribes de souvenirs que nous conservons de ce film, il restera assurément une scène qui aura survécu, une séquence durant laquelle Demi Moore se déchaîne sur une piste de danse, monstre de vulgarité et de lascivité mêlées.

Sport de filles, de Patricia Mazuy

RolandK — Wed, 25 Jan 2012 22:34:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - samedi 15 octobre, 16h

Patricia Mazuy aime les chevaux. C'est un fait indiscutable, et c'est son droit le plus incontestable. Les concours hippiques, le dressage, les heures d'entraînement, la beauté de l'animal, la fusion avec le cavalier... Bref, toute l'écurie de fond en comble, et c'est très bien ainsi, nul ne l'en blâmera. Elle aime également beaucoup la carrière de Bruno Ganz. Là aussi, on peut la comprendre, puisque cet acteur incarne à lui seul une bonne partie du cinéma allemand d'après guerre : dites "acteur allemand" à un cinéphile normalement constitué, et son nom sera probablement cité dans les 10" qui suivent. Elle aime sans doute aussi Josiane Balasko et a voulu jouer avec son image en lui refilant ici le rôle de la propriétaire revêche d'un haras et qui a sous sa botte un entraîneur plus ou moins soumis (Bruno Ganz, donc).

Reste que Equitation + Ganz + Balasko, ça ne fait pas vraiment un film, surtout quand le scénario semble avoir été écrit à la va-vite au dos d'un ticket de PMU. Patricia Mazuy sort alors sa carte maîtresse : son actrice, la belle (mais teigneuse, ici) Marina Hands, sait monter à cheval depuis son enfance. Banco ! Visiblement, inutile de travailler davantage la trame narrative, ce simple constat paraît tenir lieu de note d'intention absolue... Quant à Balasko, le plus souvent, on a le sentiment qu'elle se demande ce qu'elle fait dans ce film : le spectateur compatit.

Nous tenons là un des premiers nanars de l'année, de la race pure des films qui provoquent des rires nerveux inextinguibles (hormis pour mes collégiennes énamourées du premier étalon qui passe, et à qui j'accorde un droit de veto - de véto ?! - devant mon point de vue.) Passez votre chemin, fuyez au galop, balancez la selle, sautez les barrières, bouchonnez-vous, faites comme vous voulez, mais ne perdez pas 1H40 de votre existence avec ce Sport de filles. On achève bien les chevaux ? C'est sans doute cruel, mais pour ce canasson cinématographique, oublions la pitié !

Carnage, de Roman Polanski

RolandK — Tue, 10 Jan 2012 21:47:00 GMT

Début 2010, parfait antidote à l'imbroglio judiciaire dans lequel il était péniblement englué, Roman Polanski happait toute notre attention dans un petit chef d'oeuvre de précision implacablement mis en scène, The Ghost Writer, dont certaines images restent encore profondément ancrées dans nos mémoires, à commencer par celle de ce décor subjuguant d'une maison aquarium qui accentuait l'aspect de huis clos tout en redéfinissant les frontières du genre.

Deux ans plus tard, il est quelque peu étonnant de retrouver Polanski à la tête de cette adaptation du Dieu du Carnage écrit par Yasmina Reza en 2006 pour la scène. Ne nous trompons pas, Carnage est un film très agréable et divertissant : le scénario enchaîne à un rythme d'enfer les bons mots et les situations trépidantes ; le quatuor de comédiens de haute volée communique au spectateur un plaisir qu'il a probablement partagé sur le plateau de tournage ; la situation initiale, qui dégénère progressivement en complet jeu de massacre une fois que le vernis des convenances bourgeoises s'est écaillé, est réjouissante. Et, après tout, si la majorité des films atteignait déjà ces différents objectifs, nous en serions pleinement comblés la plupart du temps.

Il n'en demeure pas moins qu'à peine sortis de la salle, affleure à notre esprit la question de la motivation qui a pu conduire Roman Polanski à se lancer dans cette entreprise étrange. Parenthèse ludique entre deux oeuvres plus personnelles et ambitieuses, ou désir plus profond et plus secret ? Le cinéaste a révélé que l’unité de temps et de lieu de la pièce était ce qui l'avait le plus intéressé, ce qui semble cohérent au vu d'un grand nombre de ses films, mais pourquoi avoir tenu absolument à l'adapter à l'écran ? Il faut en effet avouer que Carnage correspond assez bien à ce que l'on a coutume d'appeler de manière assez péjorative du théâtre filmé, avec toutes les limites que comporte cet exercice.

Reconnaissons-lui néanmoins le mérite de ne pas avoir voulu aérer artificiellement le texte de cette pièce en inventant des scènes en extérieur dans son scénario, comme cela se fait parfois de manière un peu risible lorsque des textes dramatiques sont transposés au cinéma (à l'exception des très beaux plans fixes qui ouvrent et clôturent le film, parfaitement composés). Dans tous les sens du terme, Polanski s'est évertué à ne pas sortir du cadre et à respecter scrupuleusement la dramaturgie imposée par les dialogues.

Au-delà du vrai plaisir que l'on peut trouver dans le jeu des comédiens qui s'en donnent à coeur joie dans cette version filmée, il peut donc sembler difficile de déceler ce que ce film apporte par rapport à la pièce. Il est par contre aisé de comprendre ce que l'on peut y perdre. Fort logiquement, la mise en scène de Polanski a capté, souvent en gros plan, les temps forts des dialogues, qui se succèdent sans pause à la fin du texte. Il aurait semblé incongru qu'il ait pu choisir de montrer un comédien muet lorsqu'un de ses personnages se démenait dans un morceau de bravoure dialogué. Pourtant, lorsqu'un spectateur se rend au théâtre (c'est du moins mon cas), il n'est pas rare que, dans ces moments-là, la mise en scène de son regard, le cadre qu'il opère en restreignant une portion de la scène, s'occupe justement des comédiens qui ne parlent pas. Au théâtre, le regard voudrait souvent saisir les temps faibles, le regard vagabonde sur la scène théâtrale pour guetter une attitude, une réaction silencieuse, le visage d'un comédien à un instant où il est en retrait, où un autre monopolise l'attention. L'exemple de Jodie Foster illustre parfaitement ceci à la fin du film. Durant ces séquences finales, on ne la voit à l'écran qu'hurlant de manière hystérique, alors qu'on aurait souhaité contempler à ce moment là, dans des cadres plus serrés, les réactions des trois autres protagonistes l'écoutant, puis l'observer à son tour, maintenant une rage en elle lorsque les autres s'exprimaient et déversaient leur bile respective. Le théâtre nous laisse libres de cadrer nous mêmes, d'effectuer notre mise en scène tandis que Carnage, pour agréable qu'il soit, nous contraint à des cadrages qui nous font constamment nous demander ce qui se passe hors champ. Vaste débat...

Louise Wimmer, de Cyril Mennegun

RolandK — Sat, 07 Jan 2012 12:09:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - jeudi 13 octobre, 19h30

Généreux. Comme les salves d'applaudissements nourris qui ont accompagné le générique de fin de Louise Wimmer au Théâtre d'Auch à l'occasion de la séance d'ouverture du 14e Festival Ciné 32, sourires aux lèvres d'une bonne partie de l'assemblée.

Généreux. Comme les propos humbles et simples du réalisateur Cyril Mennegun ce soir là, dont l'envie d'un cinéma proche des gens et de la vraie vie était sympathique et communicative.

Généreux. Comme le personnage central de Louise Wimmer, pourtant peu amène au premier abord, une femme égratignée par la société et l'existence, qui continue de se battre, dans tous les sens du terme, pour se maintenir à flot, pour gagner difficilement sa vie, sans jamais décrocher, sans concessions ni facilités, simplement portée par le rythme obsédant du Sinnerman de cette autre battante qu'était Nina Simone, fil rouge musical de la bande son.

Généreux. Comme l'interprète de ce personnage éponyme, Corinne Masiero, bloc impressionnant d'énergie et de violence rentrée. Louise Wimmer fait partie de ces films qu'on a peine à imaginer sans le comédien qui les porte, tant Corinne Masiero, de tous les plans, a visiblement inspiré son réalisateur et instillé ses propres expériences et son propre vécu dans le processus créatif.

Alors, certes le film souffre de quelques longueurs, certes le portrait du personnage tombe parfois dans un too much à la limite de la caricature, certes le scénario ressemble quelquefois davantage à une accumulation de séquences qui soulignent de plus en plus fortement la misère sociale et affective de son héroïne sans faire progresser réellement le récit, mais la proximité du réalisateur avec son personnage, l'empathie que le spectateur éprouve progressivement, presque malgré lui, pour cette admirable battante, le vrai désir de cinéma qui se dégage de l'ensemble, tout cela finit par emporter notre adhésion pour ce premier long métrage prometteur.

Take Shelter, de Jeff Nichols

RolandK — Mon, 02 Jan 2012 21:06:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - Vendredi 14 octobre, 22h

Twister de Jan Speed de Bont nous plongeait en 1996 au coeur d'un cyclone pour ne plus nous en faire sortir narrativement avant la fin. Reposant exclusivement sur les aspects spectaculaires de ces monstrueux hurricanes relativement fréquents aux Etats-Unis, il rejoignait ainsi par sa trame classique la cohorte de films catastrophe qui dévastèrent surtout nos écrans durant les années 70, s'appuyant simplement sur les progrès des effets spéciaux pour remettre ce genre au goût du jour, au même titre qu'un escadron d'autres faiseurs hollywoodiens qui replacèrent sur le devant de la scène toute une série de films catas durant les années 90 et 2000, Roland Emmerich ou Michael Bay en tête.

Jeff Nichols, le réalisateur de Take Shelter, s'il entraîne lui aussi le spectateur dans l'oeil du cyclone (mais à une distance toujours raisonnable, comme si la menace ne demeurait toujours que latente et pesamment présente), garde simultanément un oeil sur son héros, qu'il ne cesse de scruter pour en percer le mystère, pour en pénétrer la conscience. Dans son titre même, il indique qu'il va délaisser la folie meurtrière de l'ouragan pour se focaliser plutôt sur ses conséquences immédiates : la recherche d'un refuge contre la menace, d'un abri qui deviendra de plus en plus précaire au fil des séquences.

Cette injonction affichée de se mettre à couvert, qui sonne également comme un avertissement destiné au spectateur, est avant tout l'obsession maladive du héros, Curtis Laforche, interprété par Michael Shannon totalement saisissant et habité par un rôle qui vient enrichir sa palette déjà riche en personnages au bord du précipice entre raison et démence, à l'instar du personnage qu'il interprétait dans Revolutionary Road et encore plus dans le haletant Bug de William Friedkin. De tous les plans, la peur panique qu'il exprime contamine progressivement la pellicule et chacun de ses spectateurs.

Take Shelter redonne ses lettres de noblesse au genre du film fantastique adulte, trop absent de nos écrans contrairement aux franchises qui appâtent les adolescents à grand renfort de créatures plus ou moins imaginaires et plus ou moins dégoulinantes de bons sentiments ou, a contrario, qui essaient de renouer avec le film d'horreur avec des séquences relativement risibles à la bouh fais-moi peur. "Tout le fantastique est rupture de l'ordre reconnu, irruption de l'inadmissible au sein de l'inaltérable légalité quotidienne", disait par exemple Roger Caillois pour définir ce genre phare en littérature comme pour le cinéma. Le film de Jeff Nichols est une illustration exemplaire (du moins jusqu'à son dénouement plus convenu et plus hollywoodien, qui vient rompre le fragile équilibre maintenu jusque là et ternit un peu l'ensemble après coup) de cette définition.

En dévoyant astucieusement les codes du film catastrophe sur lequel il s'appuie, Nichols construit effectivement peu à peu un film cerveau à la Shining, auquel il s'apparente d'ailleurs par bien des aspects, en particulier en dépeignant l'implosion d'une cellule familiale typique de l'Amérique profonde. Le Fantastique naît alors de la confusion croissante entre la réalité définie comme telle par nos sens, et les rêves, les hallucinations, toutes les autres formes possibles de parasitage de cette réalité par nos esprits. Lentement, progressivement, le doute et la terreur qui ne quittent pas une minute le héros, persuadé qu'un ouragan va lui arracher ce qu'il a de plus précieux au monde, gagnent le spectateur, s'infiltre en lui, se diffuse insidieusement.

En restant au plus près de ses personnages, Take Shelter répand une paranoïa qui monte en puissance durant le film, épousant le rythme d'un typhon qui s'amplifierait monstrueusement et deviendrait plus terrible en gagnant du terrain, reflet de notre époque torturée où sourdent le malaise et les peurs diverses et incontrôlables. La fragile construction mentale du film, sur lequel est bâtie cette atmosphère de fin du monde, repose intégralement sur la remise en question de la solidité de nos perceptions sensorielles et de la foi que nous pouvons leur accorder. La petite fille du couple central, atteinte de surdité, a créé sa vision du monde sans pouvoir se fier à son ouïe, par défaut. Son père, au contraire, ne souffrira pas de l'absence de stimuli visuels ou auditifs, mais de leur surabondance, d'une saturation devant laquelle sa raison finit par capituler et battre en retraite dans une logique de plus en plus malade.

Jeff Nichols a récemment tenu ces propos à propos de The Tree of Life : "Comment ne pas aimer ce film ? C’est tellement à l’encontre de ce qui se fait à Hollywood qu’il faudrait le chérir comme une espèce protégée." C'est sans doute cette filiation secrète qui peut expliquer d'ailleurs la présence dans son film de Jessica Chastain, qui aura décidément illuminé cette année les écrans de sa présence rassurante et sereine. Film sensoriel au sens profond et intense du terme, Take Shelter dissémine une angoisse irrationnelle comme nous n'en avions plus ressentie depuis longtemps : la vision récurrente d'un ciel apocalyptique, menaçant, depuis un pavillon de banlieue, rappelant d'ailleurs des séquences du très bon (et sous-estimé ?) War of the Worlds de Spielberg, le malaise qui nous envahit progressivement, la tension qui ne nous quitte guère durant près de deux heures nous incite à penser que ce film appartient également à l'espèce protégée et rare des oeuvres qu'il faut soutenir, défendre et chérir, en dépit de la faiblesse relative de sa conclusion.

Las Acacias, de Pablo Giorgelli

RolandK — Thu, 29 Dec 2011 22:21:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - Vendredi 14 octobre, 11h30

Voyager depuis son fauteuil dans des contrées qu'on ne visitera jamais, découvrir des modes de vie, des paysages différents, un ailleurs dépaysant : une des magies du cinéma, qu'on imagine fonctionner à plein régime dans Les Acacias, Caméra d'Or au dernier Festival de Cannes, excusez du peu, à la simple lecture de son synopsis. Ecoutez plutôt :"Sur l'autoroute qui relie Asuncion à Buenos Aires, un camionneur doit emmener une femme qu'il ne connaît pas et son bébé. Ils ont devant eux 1500 kilomètres et le début d'une belle histoire". Nos yeux s'embuent déjà à la simple idée de contempler ces paysages d'Amérique Latine qui défileront sous nos pupilles écarquillées, de découvrir la beauté de sites insoupçonnés, de nous attacher à des personnalités fortes tout au long du périple.

Tragique erreur de débutant ! Remballez vos rétines et repartez les paupières sous le bras, circulez, y a rien à voir ! Nous connaissions le fabuleux genre du Road Movie, Pablo Giorgelli a souhaité dépoussiérer l'histoire du cinéma en inventant le Cabin Movie. Son ambition est louable : "On ne sait jamais trop bien pourquoi on fait les films qu'on fait, jusqu'à ce qu'on les termine et qu'on les laisse partir, dit-il dans sa note d'intention. Durant le processus de réalisation, j’ai trouvé quelques réponses à cette question, sans parvenir à en esquisser une qui me rassure." Tu m'étonnes... Alors, non, non, rien à faire, nous ne verrons rien d'autre, mais R I E N, que la cabine du chauffeur durant les 1500 kms. Dans certains road movie, le spectateur ne perçoit pas concrètement la distance accumulée, le passage du temps : là, pas de souci, on les sent, une par une, les mille cinq cents bornes. Vous voulez sentir le bitume passer sous les roues, vous allez le sentir !

Vous vous dites alors, fort logiquement : le réalisateur, bien au-dessus de nos basses et triviales considérations, a évidemment souhaité que notre attention ne soit pas distraite par des paysages futiles, ses préoccupations sont bien plus ambitieuses. Après tout, on n'est pas là pour se taper un Rendez-vous en Terre Inconnue sur grand écran, c'est autre chose, le cinéma ! Le raisonnement se tient. Le bébé étant hors circuit pour les dialogues philosophiques, on se rabat alors sur le chauffeur et sa passagère. Vous n'avez rien vu ? Rassurez-vous, vous n'entendrez RIEN non plus. Pas de conversation météo, pas de questions sur le passé de l'un ou l'autre (ils s'en foutent comme d'une guigne, visiblement), aucun commentaire sur les paysages (mais ça, vous l'auriez deviné vous même, preuve que vous commencez à saisir le concept).

Le spectateur est saisi d'un doute. Le film a reçu la Caméra d'Or, quand même, c'est pas rien !! Cherchons encore. Il va bien se passer un truc. On guette quelque chose, un accident quelconque, la remorque qui se décroche, des buffles qui traversent, Ricardo Darin qui ferait du stop, quelque chose. Quand le bébé se saisit du gobelet de la bouteille Thermos, on se sent tout chose, ça en devient presque une cascade. Mais nada, que dalle, peau de zébu argentin : nous n'avons rien vu, nous n'entendrons rien, ne vous attendez pas à ce qu'il se passe quelque chose, malheureux !

Ricardo Darin, qui ne fera jamais de stop dans Las Acacias

L'argument des Acacias pourrait à la rigueur donner lieu à un court métrage correct. Mais étiré sur une telle longueur, ce n'est plus du minimalisme, c'est de la torture mentale. Le camionneur roule. Vous me direz que c'est normal et que c'est ce qu'il sait faire de mieux. Mais il ne fait que ça ! Non, pardon, j'exagère, mea culpa, je suis mauvaise langue. On voit le taiseux siroter longuement son maté, à plusieurs reprises. On le voit aussi faire une ou deux pauses et, miracle, sortir de son camion. Pour y faire quoi ? Fumer in extenso, jusqu'à la dernière bouffée, la dernière, une cigarette. Le sommet de l'hérésie cinématographique : la clope employée comme accessoire ultime pour rallonger une scène jusqu'à plus soif, pour donner une contenance à l'acteur qui, sinon, resterait planté à prendre racine auprès des troncs d'arbres qu'il véhicule.

Las Acacias a obtenu la Caméra d'Or décernée à la meilleure première oeuvre du Festival de Cannes. Je l'ai déjà dit, oui, je sais, je me répète pour essayer de digérer l'info. La Caméra d'Or. En un temps où la lenteur est une vertu rare au cinéma, chapeau bas, le cinéaste a effectivement révolutionné le genre, en parvenant à parcourir un périple de 1500 kilomètres en faisant du surplace... La Caméra d'Or, je ne parviens pas à y croire. Je pressens que l'on va me parler de la poésie du non-dit, des silences révélateurs, de la beauté de l'invisible et d'autres nuances auxquelles moi, pauvre cinéphile basique, ne saurait être sensible : effectivement, si l'avenir du cinéma est là, je rends les armes tout de suite et demande grâce...

"J'ai lu une fois que même à son insu on écrit toujours pour quelqu'un, quelqu'un qui est assis au troisième rang dans la salle" dit encore le réalisateur. Mince, ça, j'aurais dû le lire avant, pour savoir absolument à quoi ressemblait ce type du 3e rang. Au fait, pourquoi le film s'appelle-t-il Las Acacias ? Simple, le taiseux transporte une cargaison de bois d'acacia. Une autre raison ? Non, pourquoi, c'est gênant, il en faut une ? Alors, pitié Monsieur Giorgelli, épargnez-nous une suite à ce film : pas de Las Baobabs, de Las Citronniers (titre déjà pris, qui plus est) ni de Las Pins des Landes, ne faites pas retraverser toute l'Argentine dans l'autre sens au Taiseux, au moins pour préserver ce qu'il reste de la forêt amazonienne. La couche d'ozone vous le rendra.

Corpo Celeste, d'Alice Rohrwacher

RolandK — Wed, 28 Dec 2011 22:16:49 GMT

14e Festival Ciné 32 - Vendredi 14 octobre, 9h

Corpo Celeste conte le retour en Calabre d'une fillette de 13 ans, Marta, dans la ville même où elle est née. Sa confirmation catholique marquera simultanément pour elle la fin de son enfance et la perte de ses illusions, notamment en matière religieuse : un gouffre apparaît alors en elle entre la pureté de ce qu'elle apprend au catéchisme et les préoccupations trop terrestres des adultes qu'elle côtoie, y compris au sein des ecclésiastiques.

L'arrivée dans l'adolescence semble être un rite de passage obligé (et relativement usant) pour nombre de réalisatrices se lançant dans leur premier long métrage. Ce récit d'apprentissage n'est ni meilleur ni pire qu'un autre. D'un côté, on peut regretter un grand nombre de clichés dans le portrait qui est fait de la "classe religieuse", entre un brave et naïf ouvrier du culte et ses supérieurs hiérarchiques engoncés dans leurs costumes et leurs coutumes ancestrales (on se serait volontiers passé de la caricaturale bonne du curé, par contre...) D'un autre, quelques scènes marquent les esprits lorsque la cinéaste oublie les dialogues trop écrits et les situations théoriques pour composer des plans aériens et sensibles de toute beauté : Marta ôtant délicatement la poussière qui s'est accumulée sur un Christ en croix ou ce même crucifix, image saisissante et surréaliste, flottant au milieu des récifs. Des scènes célestes qui peuvent faire oublier la démonstration qui a précédé.

Bruegel, le Moulin et la Croix / The Mill and the Cross, de Lech Majewski

RolandK — Tue, 27 Dec 2011 14:44:00 GMT

14e Festival Ciné 32 - Dimanche 16 octobre, 11h30

En 1990, dans l'un de ses derniers longs métrages, Dreams, composé de huit histoires indépendantes, le réalisateur japonais Akira Kurosawa mettait en scène le rêve éveillé d'une multitude d'amoureux de la peinture dans l'épisode intitulé Les Corbeaux :

Intégralité de l'épisode Les Corbeaux d'Akira Kurosawa

On y voyait un étudiant en peinture, le jeune Kurosawa lui-même, subjugué par l'oeuvre de Vincent Van Gogh, plonger littéralement à l'intérieur d'une succession magique de tableaux vivants du Maître avant de finir par le rencontrer au milieu d'un champ de blé, incarné par un Martin Scorsese méconnaissable, cherchant l'inspiration pour peindre son célèbre tableau Les Corbeaux, habité par le génie et la folie. Jamais à ma connaissance jusque là ce désir de rentrer dans l'univers d'un tableau n'avait été illustré si concrètement et poétiquement, même s'il serait de toute évidence passionnant de recenser les autres tentatives similaires - notons d'ailleurs que nous avons très récemment évoqué ce thème à l'occasion du film d'animation Le Tableau de Jean-François Laguionie.

Le réalisateur polonais Lech Majewski pousse ce fantasme absolu à son paroxysme dans The Mill and the Cross puisque, d'un bout à l'autre de ce long métrage, et non plus le temps d'une saynète à l'instar de Kurosawa, il nous entraîne et nous fait pénétrer à l'intérieur d'une fresque magistrale, Le Portement de Croix, peint au XVIe par Pieter Bruegel.

Le Portement de Croix, 1564 (cliquer pour agrandir l'oeuvre)

Visuellement et plastiquement, Le Moulin et la Croix est une réussite éclatante et impressionnante : la reconstitution minutieuse d'une multitude de scènes est poussée à l'extrême dans ses moindres détails, les décors et les costumes sont sublimes, le cinéaste donne vie et chair à ce qui n'était que peinture, les personnages s'animent, s'individualisent parmi cette foule, la toile du peintre devient réellement au bout de quelques séquences la toile sur laquelle se projette la création du réalisateur. Pourtant, passé l'émerveillement premier face à ce tour de force de mise en scène, l'esprit du spectateur finit lui aussi par s'envoler de la toile cinématographique et par s'évader de la salle, rêvassant à la multitude d'autres oeuvres au sein desquelles il aimerait lui aussi voguer en liberté : les Montres Molles de Dali, le Golconde de Magritte, la Nuit étoilée de Van Gogh... Tant d'oeuvres parmi lesquelles voyager, tant d'oeuvres qui nous distraient de celle projetée dans la salle de cinéma. Pour splendide qu'il soit, The Mill and the Cross finit en effet par devenir une sorte de version grand luxe de feue l'excellente émission Palettes d'Alain Jaubert.

Hasard des projections et de l'inspiration diverse des cinéastes, une autre oeuvre de Bruegel était au coeur d'une séquence éblouissante d'un film important de l'année qui s'achève, Melancholia de Lars Von Trier, sur lequel je n'avais pas vraiment eu le temps de me pencher au moment de sa sortie. Si la seconde partie du film du garnement danois m'a paru largement inaboutie (elle aurait pu s'intituler A hystérique, hystérique et demie et m'a rapidement agacé), le prologue de Melancholia fait par contre indéniablement partie pour moi des plus grands moments vécus au cinéma cette année et sans doute même plus largement encore. Là aussi, l'étirement démesuré d'un effet de ralenti donnait la sensation hallucinante de pénétrer dans la matière même de la pellicule du film. Et, au sein de ces tableaux inauguraux, menaçante et prémonitoire, trônait la toile de Bruegel Les Chasseurs dans la Neige, qui fut d'ailleurs également utilisée par Tarkovski dans son Solaris et que l'artiste flamand avait peint un an après Le Portement de Croix. Echos, réseaux, relais, correspondances et croisements, entre peinture et cinéma, entre XVIe et XXIe siècle. Magie et richesse des arts.

Les Chasseurs dans la Neige, 1565